Baborak - Libertango

Baborak y Piazzola. Una mezcla cuanto menos interesante. El rey de la trompa interpretando al rey del tango.

Abbado

Hace horas se cumplían dos años del fallecimiento del maestro Abbado.
Poco se puede decir de alguien como el. Creo haber visto más grabaciones suyas que partidos del amigo Ronaldo y eso significa que he aprovechado bien mi tiempo, porque lo ves ante la orquesta provoca unas sensaciones que ningún otro puede transmitir. He percibido paz con Rattle, alegría con Bernstein, tensión con Celibidache y furia con Gergiev, pero es con Abbado con quien más respeto he percibido. Respeto no solo entre músico y director, o entre espectador y director, si no, entre director y la composición. Este hombre sentía cada nota que dirigía.
Como amante de la obra de Mahler que soy, también he recibido mucho por parte de Abbado, sobre todo desde la creación, por su parte, de la orquesta del Festival de Lucerna en 2003, pues jamás disfrutaré como de una quinta de Mahler superior a la que dirigió en 2004, o como la primera en 2009. Pero no era la primera vez que demostraba su admiración por el director nacido en Bohemia. Ya en los sesenta como director invitado de la filarmónica de Viena, interpretó la Segunda sinfonía de Mahler ayudando a otros grandes de la época como Bernstein o Copland a rescatar del ostracismo al Checo y su música, que fue "casi prohibida" (en la Amsterdam ocupada, orquestas judías aun podían tocarla para judíos) por "degenerada".
Como vemos, es mucho el bien que Abbado hizo por la cultura actual y el legado que dejó, como la ya nombrada anteriormente Orquesta del Festival de Lucerna y la orquesta de jóvenes Gustav Mahler.
Lamentablemente sufrió un cáncer de estomago que pintaba muy mal. Quien guste puede ver la grabación de su Requiem de Verdi con la filarmónica de Berlín, que aún siendo su regreso, sonaba a despedida de los escenarios y de este mundo, con un estado físico lamentable y una lucha por aguantar segundo a segundo en pié, pero luchando le ganó más de una década a la muerte hasta el 20 de Enero del 2014.
Solo lamento no haber aprovechado para disfrutarle en directo mientras pude, pero eso si, rara es la semana que no llena mi habitación con al menos un par de sinfonías de Mahler y una tercera de Brahms.

Por último diré que Abbado tenía la costumbre de decirle a los músicos y a la gente con la que solía tratar, que no le llamasen maestro, que le llamasen Claudio, pero para mi siempre será el maestro Abbado.

Passat Forza

Acabo de ver el nuevo anuncio del Volkswagen Passat. Esta vez nuestros siempre envidiados alemanes han decidido postrarse ante la evidencia de que en otros países también hay cosas bien hechas. En este caso se decidieron por la Obertura de la ópera "La fuerza del destino" de Verdi.
Esta ópera está basada en la obra teatral "Don Álvaro o la fuerza del sino" de Ángel de Saavedra (Duque de Rivas).
Desde mi punto es una de las mejores Oberturas que se han compuesto. Mezcla varias de las melodías que podrán escucharse a lo largo de la ópera. Es de una belleza inigualable, pero con unos pasajes con una fuerza que recuerdan casi al Dies Irae del autor en lo pasional y dramático.

La isla de los muertos - Rachmaninov

La isla de los muertos, Op. 29, es un poema sinfónico del compositor ruso Sergei Rachmaninoff compuesto en 1908 en Dresde e inspirado por el cuadro homónimo de Arnold Böcklin, que había visto en París en 1907. Esta obra está considerada como un claro ejemplo del postromanticismo ruso de principios del siglo XX.La duración aproximada de la pieza oscila entre los 20 y los 28 minutos. La música comienza suavemente, con un movimiento de vaivén que sugiere el rumor de las olas mientras Caronte rema por el río Estigia. A lo largo de esta obra, Rachmaninov utiliza una figura recurrente en un compás de 5/8 para imitar el movimiento del agua y del remo de Caronte. Al comienzo de la obra, el tema principal se repite en un prolongado crescendo; en la sección central, la orquesta explora distintas variaciones del tema, hasta llegar a un momento de silencio tras el cual, al igual que sucede en varias de sus obras, Rajmáninov introduce el motivo de la música del Dies irae como referencia a la muerte. Al mismo tiempo, el vaivén de la música también sugiere el sonido de una respiración, indicando de esa manera que la vida y la muerte se entrelazan.

Marchas Nupciales

No siempre ha sido tan común como es ahora que la novia se acerque al altar o que la pareja celebre su  recién estrenado matrimonio con una marcha nupcial. En este post, hablaré sobre las tres marchas más famosas.

Marcha Nupcial de Wagner.

Es una marcha nupcial que forma parte de la ópera del compositor alemán Richard Wagner titulada Lohengrin, compuesta en 1850. Esta pieza es usada en las bodas del mundo occidental para la entrada de la novia. Su ubicación habitual en el inicio de una ceremonia nupcial no está del todo de acuerdo con su colocación en la ópera. El coro se canta después de la ceremonia por las mujeres de la fiesta nupcial, ya que acompañan a la protagonista, Elsa, a la cámara nupcial.

Marcha Nupcial de Mendelssohn

Forma parte de El sueño de una noche de verano, escrita en 1826 a partir de la obra homónima de William Shakespeare. Pese a que la obra fuera escrita en 1826, 16 años después, en 1842, y por encargo, Felix Mendelssohn escribiría Música incidental para el sueño de una noche de verano, en donde se encuentra la marcha nupcial.

Es una de las marchas nupciales más usadas, generalmente interpretada por un órgano. En los países anglosajones suele sonar al final de la boda.

Marcha Nupcial de Mozart

También es utilizada como marcha nupcial la compuesta por Mozart, que aparece en su ópera Le nozze di Figaro. Aunque es muy poco frecuente, muchos novios la prefieren para su celebración debido al carácter más alegre de su melodía. A su vez, el propio hecho de que ésta sea menos frecuente es un aliciente que atrae a no pocas parejas.

La tradición de tocar la marcha nupcial comenzó con la boda de la princesa Victoria de Sajonia-Coburgo-Gotha con el príncipe Federico III de Alemania. Victoria, gran aficionada a la música, eligió ella misma las dos marchas que iban a sonar en su boda: la Marcha nupcial de Mendelssohn y la Marcha nupcial de la ópera Lohengrin de Wagner. Desde entonces, esta tradición se ha convertido en una de las más seguidas.

Titán - Mahler

Quizá sea repetitivo escribir otro post sobre Gustav Mahler, pero puedo asegurar que si es mi compositor favorito, es porque se ha ganado el derecho a serlo. Hay grandes obras escritas por compositores de alto nivel, esperando aparecer por aquí, pero algo en mí no me deja pasar al siguiente sin comentar hoy la obra que aquí se presenta.

En primer lugar explicar que Titán no es, al parecer, la primera sinfonía del compositor de Bohemía, pues hay pruebas de que anteriormente compuso cuatro más cuyos manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial por el gobierno nazi, quien condenó al compositor al ostracismo por su condición. Recordemos que Mahler era judío. Carga que le acompañaría durante toda su vida. Él mismo composior diría en una ocasión : «Soy tres veces extranjero: un bohemio entre austriacos; un austriaco entre alemanes y un judío ante el mundo».

Estas obras desaparecidas explican el por qué de que la Sinfonía Titán tenga una consistencia y una maestría impropias de lo que cabría esperar en la opera prima de un joven compositor.

Mahler comenzó su Primera Sinfonía en 1884, la finalizó en 1888 y dirigió su estreno en Budapest el 20 de noviembre de 1889 después de que la mayoría de directores de la época la rechazaran por considerarla “demasiado moderna y transgresora”.
El día del estreno, la recepción de la obra fue mas bien fría por parte del público. 

En un principio, la Sinfonía Titán no fue considerada como tal por el autor sino mas bien como un poema sinfónico (o poema tonal) dividido en dos partes con tres movimientos en la primera y dos en la segunda.
Más adelante, Mahler abandonó la idea de contemplar esta obra como “música programática” y la catalogó definitivamente como una sinfonía con cinco movimientos, aunque no tal y como actualmente la conocemos, pues pasado un tiempo, Mahler desechó el segundo movimiento (Blumine) al no considerarlo “suficientemente sinfónico”.
En la actualidad, son muy pocos los directores (y muy pocas las grabaciones disponibles) que incluyen el movimiento Blumine en la ejecución de esta sinfonía.

Por el bien de mis lectores comentaré  tan sólo primer y tercer movimientos aunque recomiendo escuchar con detenimiento toda la obra.

PRIMER MOVIMIENTO

Comenzamos movimiento y obra con las cuerdas entonando un La mantenido.  Comienza de una manera realmente suave. A lo largo de varios minutos, poco a poco van incorporándose algunos instrumentos partiendo de ese La. Podemos diferenciar algunos instrumentos que hacen voces de aves y otros realizando fanfarrias. Las trompas comienza con un solo en grupo que otorga una profundidad al sonido que lo hace penetrar más en el oyente. Será algo más avanzado el movimiento cuando por medio de esa fanfarria surgirá la tonalidad de Re Mayor otorgando mayor ligereza y frescura a la obra.Este primer movimiento finaliza con un regreso de las mismas voces de las aves que aparecen en la introducción para concluir con un sosegado y relajante cierre.
He de decir que poco comienzos sinfónicos están a la altura del aquí descrito. Su delicada belleza combinada con su originalidad confieren al mismo una calidad digna de admiración.

TERCER MOVIMIENTO

Se trata de un movimiento lento que Mahler concibió como una paródica marcha fúnebre basada en en la canción folclórica Frère Jacques que es aquí ejecutada en la tonalidad de Re menor para dar paso a unas fáciles melodías que nos transportan a la música que solían interpretar las bandas callejeras y en las que queda de manifiesto los orígenes judíos del compositor.
Se puede apreciar claramente en su manera de enlazar diferentes motivos lo avanzado de la técnica de Mahler. En cuanto a la belleza de la pieza, no hay palabras que puedan expresar la perfección de este movimiento. La delicadeza de la marcha con la gracia de las danzas.

Cuarteto para cuerdas en fa mayor - Maurice Ravel

Compuesto entre diciembre de 1902 y abril de 1903, y estrenado el 5 de marzo de 1904 por el cuarteto Heyman (en un concierto de la "Société Nationale" en la sala de la Schola Cantorum). Dedicado a su amigo y profesor Gabriel Fauré.

El cuarteto no fue bien acogido y obtuvo críticas contrapuestas. Fauré criticó duramente la obra (en especialmente el cuarto movimiento: “atrofiado, mal balanceado; en resumen, un error”). En cambio, Debussy escribió a Ravel en 1905 diciéndole: “En el nombre de la Música y de mí mismo, no se te ocurra cambiar ni una sola nota de tu cuarteto”. Parece ser que el paso del tiempo ha dado la razón a Debussy, pues el cuarteto se ha hecho un hueco entre las obras maestras del género.

Ravel tomó como referencia el cuarteto que escribió Debussy una década antes. El cuarteto sigue estrictamente la clásica estructura en cuatro movimientos. Aunque Ravel tenía tan sólo 28 años cuando lo compuso, en él aparece perfectamente definido el estilo del compositor, con su “precisión de relojero” y sus sonoridades típicamente reconocibles.

Marcel Marnat comenta que “[…] Por su firmeza resuelta y por su luminosidad adolescente, el Cuarteto de Ravel se nos ofrece como uno de los gérmenes de esta revolución inexorable de lo vago al geometrismo, excluyendo, no obstante, esa angulosidad glacial tan característica del arte de 1925. Y este cuidado por ser fluido pero no enrevesado, por ser estable sin ser brutal ni simplista, es el signo de todo un nuevo giro de la vida”. ('Maurice Ravel', 1986)

El propio compositor dijo de su obra: “Mi Cuarteto en Fa Mayor responde a un deseo de construcción musical que indudablemente está realizado inadecuadamente, pero que emerge mucho más claramente que en mis composiciones precedentes”.

A continuación podéis deleitaros con el segundo movimiento del mismo, mi favorito.

Gustav Mahler interpretando al piano el primer movimiento de su quinta sinfonía

DOCUMENTO SONORO INÉDITO:
UNA GRABACIÓN DE GUSTAV MAHLER TOCANDO EL PIANO

Como documento sonoro inédito, y hasta increíble, voy a ofreceros la posibilidad de escuchar a Gustav Mahler interpretando él mismo al piano el primer movimiento de su 5ª sinfonía (sí, habéis leído bien: interpretándose el mismo al piano).

Este “milagro” ha sido posible gracias una interpretación encapsulada que se conserva (en realidad hay varias obras grabadas y no es difícil encontrar el CD que las contiene) en la que se utilizó la técnica de los famosos “piano rolls” o pianolas de inicios de siglo.

Las grabaciones en si no son mas que unos "rollos" que fueron grabados utilizando una tecnología desarrollada por Welte-Mignon que fue perfeccionada en la Alemania de 1903.

Tanto Gustav Mahler como otros intérpretes y compositores famosos de principios del siglo XX hicieron varias pruebas de grabación con los técnicos de la Welte-Mignon y dejaron impresos varios “rolls” o “rollos master” en los cuales quedaban registradas dos puntuaciones, una para la nota (cada una de las teclas pulsadas en el piano) y otra para el volumen del registro.

Como podréis comprobar por el audio, el resultado final es francamente sorprendente ya que la reproducción de la interpretación del artista, en este caso el propio Gustav Mahler, recrea con absoluta fidelidad los acentos, la dinámica-armónica y el ambiente que rodeó la interpretación durante la “grabación”. Y no solo eso, consideremos que cuando tantas veces se ha discutido acerca de cual debería ser la velocidad, el tempo, al que debería ser interpretada una obra (en este caso el inicio de la Quinta de Mahler), es el propio compositor quien nos ofrece la posibilidad de sincronizarnos con el metrónomo virtual que su cerebro siguió durante la ejecución de la obra.

Lo que vais a escuchar es el “roll master” original de la época, grabado por Mahler y reproducido en una pianola de Welte-Mignon exactamente. Podéis estar seguros de que así fue como sonó aquél día.

Maria Joao Pires - Concierto para piano y orquesta Nº20 en Re menor

Hace no mucho que descubrí esta anécdota y me veo en la obligación de compartirla. Pero antes hablaré un poco de su protagonista y de la obra en cuestión.

Maria Joao Pires

Nacida en 1944 en Portugal, Maria Joao Pires es actualmente una de las mejores pianistas del mundo. Dio su primer recital con sólo cinco años de edad, y a los siete ya tocaba en público los conciertos para piano de Wolfgang Amadeus Mozart. Con nueve años recibió el premio de la Juventud Musical Portuguesa. Entre 1953 y 1960, estudió con el profesor Campos Coelho en el Conservatorio de Lisboa, tomando clases de composición, teoría e historia de la música. A continuación prosiguió sus estudios musicales en Alemania, primero en la Musikakademie de Múnich con Rosl Schmidy más tarde en Hannover con Karl Engel.


Concierto para piano y orquesta Nº20 en Re menor

En cierta medida se puede considerar que este concierto, el más dramático de la producción mozartiana, precede y desarrolla aspectos musicales y estéticos que posteriormente estarán presentes en la ópera Don Giovanni.

Está escrito en la misma tonalidad que otras piezas sobresalientes de la obra mozartiana, como el Réquiem o la ópera Don Giovanni, en re menor.

Concierto en Amsterdam

En el siguiente video podréis observa el momento en el que comienza el concierto que nos atañe, pero a diferencia de cualquier otra ocasión, en este vídeo se puede apreciar la ansiedad que sufre María nada más escuchar el primer compás de la obra. Es el momento en el que se da cuenta que la obra que llevaba preparada para la ocasión no era la correcta. Se había equivocado de concierto. Entonces presa del pánico se lo dice al director  Ricardo Chailly, quien sonriendo  le dice que confía en la calidad de ella y que no dude en tocar. Tras la introducción de la orquesta, María comenzó. En menos de un minuto logró cambiar de obra, e interpretarla de una forma magistral sin fallo alguno. Ella llevaba meses, si no años sin tocar ese concierto, y sin preparación previo ni tan siquiera partitura logró demostrar una vez más por qué es una de las mas grandes interpretes del mundo. A continuación podéis ver la grabación del suceso, y después una grabación de la obra completa.

Irina Ivanovna Golub

Nacida en 1980 en Leningrado, Irina Golub, estudió danza en la Academia Vaganova con brillantes resultados. A la edad de 18 logró ingresar en el ballet Mariinski, anteriormente conocido como el ballet Kírov en honor del asesinado Serguéi Kírov, y mas anteriormente conocido como Ballet Imperial.

Irina pronto destacó por su técnica, sus facultades físicas y sus resultados, alabados por la crítica. En el 2003 fue incluida en la lista "25 to watch" del "Dance Magazine"
Irina ha estado casi siempre a la sombra de grandes maestras del ballet del momento, pero desde un segundo plano ha sabido mantenerse siempre rodeada de los mejores, llegando a interpretar roles de máxima importancia como el de Clara en el Cascanueces que podéis disfrutar en el video que hay bajo estas lineas.

Yo personalmente jamas la he considerado una bailarina de segunda fila, pues con su naturalidad y elasticidad transmite al espectador esa sensación de facilidad y simplismo que permite disfrutar del espectaculo. Considero su baile quai sinestésico, pues da la sensación de usar el oido para verla. Se compenetra a tan alto nivel con la música que crees estar viendo la música saliendo de sus movimientos.

Sus actuaciones se ven también mejoradas por los sentimientos que transmite. Podemos ver en su rostro que claramente siente cada paso y cada nota. Al contrario que a muchas otras, a Irina la puedes ver de verdad morir por amor en Romeo y Julieta, impresionarse como Clara en el Reino de los dulces de el cascanueces, o sufrir terriblemente como Odette en el lago de los cisnes. Su bello rostro forma parte de la música y la transforma creando una mezcla deliciosa.

A continuación podéis disfrutarla bailando junto a Leonid Sarafanov, interpretando a Clara en el Pas de Deux de "El Cascanueces". Fijaros en su delicados matices y en el sentimiento transmitido al espectador.

La Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 - Johannes Brahms

La Sinfonía n.º 3 en Fa mayor Opus 90 de Johannes Brahms fue compuesta en el verano de 1883 en Wiesbaden, cerca de seis años después de haber terminado la Segunda Sinfonía. En el ínterin, Brahms había compuesto algunas de sus mejores obras maestras, en las que se incluyen el Concierto para violín, las dos oberturas, y el Concierto para piano n.º 2.

Está basada probablemente en esbozos de años anteriores. Uno de sus motivos principales está basado en la transposición musical de las iniciales de una frase muy suya: "Frei aber froh" (libre pero feliz, FAF, es decir: Fa-La-Fa, aunque realmente la segunda nota es La bemol).

Fue estrenada el 2 de diciembre de 1883 por la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la dirección de Hans Richter que la consideró como la Heroica de Brahms (aludiendo a la Tercera Sinfonía deBeethoven).

En el primer movimiento nos encontramos un motivo viril y enérgico a la entrada, con mucha fuerza y en las cuerdas y con el apoyo del viento para darle mas empuje. Poco después sorprende el cambio al segundo tema del movimiento, por medio del clarinete. Ambos temas con un gran romanticismo pero con unas diferencias tan perceptibles. El segundo tema es más juguetón, más suelto, casi anhelando épocas felices ya pasadas. Ambos temas irán bailando a lo largo del movimiento.

El segundo movimiento (idilio pastoral susurrado en términos elegíacos) sugirió a Clara Schumann el siguiente comentario, que ella transmitió al maestro: “Escucho, atenta, el murmurio de la plegaria que siento elevarse por encima de la capilla silvestre; escucho la voz de los riachuelos, la danza de los escarabajos y de los mosquitos. Es un zumbido y un cuchicheo; una se siente como prisionera de todas las delicias de la naturaleza”

Poco se puede decir del poco allegretto. Es una pieza de una belleza y un lirismo rara vez igualado. Como trompista que soy, no puedo irme sin alabar la presencia de la trompa en este magnifico movimiento, sobre todo la segunda vez que aparece, y que llena hasta el último hueco de la sala con ese sonido oscuro que le otorga profundidad a la pieza. Finalmente he de volver a ensalzar el papel de la trompa y del bellísimo contrapunto que hace mientras la cuerda interpreta el tema principal a un minuto del final.

El cuarto movimiento recuerda al primero. Cargado con un gran caracter romántico. Combinando momentos de una tensión extrema con pasajes mas delicados, pero siempre otorgándole a la obra la firma del autor. Este movimiento posee quizás más presencia por parte del viento, aunque la cuerda suele llevar la voz cantante casi todo el tiempo. Finalmente la obra concluirá desvaneciéndose poco a poco cual patética de Tchaikovsky, algo que como músico siempre respeté en un autor. Muy seguro has de estar de tu obra, como para no buscar los aplausos, y esta es una de esas obras que se lo pueden permitir.

concierto para dos violines de Bach en Re menor y concierto para dos violines de Vivaldi en La menor

En este post vamos a hablar de dos de mis conciertos barrocos favoritos. Ambos para dos violines. Se trata de el concierto para dos violines de Bach y el concierto para dos violines de Vivaldi.

El Concierto para dos violines en Re menor o Doble Concierto para Violín (BWV 1043) fue compuesto entre 1730 y 1731 cuando era el maestro de capilla de la corte de Anhalt-Köthen, probablemente para ser interpretada por el Collegium Musicum de Leipzig.

Este concierto se caracteriza principalmente por el dialogo musical que se efectúa entre los dos violines solistas. Este maravilloso baile se ve incrementado en en el segundo movimiento donde la relación entre ambos llega a su punto  álgido, alcanzando una belleza extrema.

El concierto está compuesto de tres movimientos

El Concierto  en La menor para dos violines y cuerdas, RV.522 es sin duda alguna mi concierto favorito para dos violines. Fue el concierto número 8 de los doce que componen L'estro armónico (inspiración armónica). 

Liberado Vivaldi de sus obligaciones de enseñanza en el orfanato, acometió el reto de componer la colección de conciertos más grande que nunca se hubiera intentado en Venecia.

L'Estro Armonico lanzó a Vivaldi a la fama europea, especialmente en Alemania, e impulsó la venta de varias colecciones que siguieron. El típico concierto veneciano de la época constaba de dos partes para violín, una principal y otra secundaria. L'Estro Armonico contiene cuatro partes para violín, dos grupos de principal y secundaria.

Volviendo al número 8. Se percibe claramente la presencia de Vivaldi, que llena de exuberancia, alegría y fuerza la obra . Podemos apreciar sutiles diferencias con el concierto de Bach. Una mayor intensidad emocional, una ansiedad generada al oyente y una clara muestra de calor mediterráneo. 

Requiem de Verdi - Dies Irae - Claudio Abbado

Tras este parón estival que me ha mantenido alejado de mi blog. Vuelvo con energías renovadas para seguir subiendo a este humilde foco de cultura musical, grandes obras de la música. En este caso, una pieza del romanticismo italiano, "El requiem de Verdi"

Pero no puedo abarcar en un solo post tan magna obra, pues no sería justo para con tan gran monumento musical. Es por ello que me quiero centrar en un solo movimiento de este requiem, el Dies Irae, y mas en concreto en una interpretación de tal movimiento.

Es bien sabido que el requiem de Mozart es en gran medida la cima de un compositor que ya de por sí, estaba a nivel superior, mas puedo decir sin temor a equivocarme, que el Dies Irae del requiem de Verdi, no tiene nada que envidiar al de Mozart y, aun si cabe, lo supera en ciertos aspectos.

Nada mas terminar el Kyrie Eleison, no sabemos lo que nos va a llegar, pero al comenzar este canto medieval llamado Dies Irae, podemos ser consciente de por qué habla de el dia de la ira.

Estoy seguro de que si la ira de Dios se hiciese música sonaría de esta manera. Una entrada fortissima por parte de toda la orquesta, destacando el viento-metal, con esas sincopas que crean un efecto de ansiedad en el oyente que te hace incorporarte del asiento, y entonces la Orquesta calla, para dejar paso a una fanfarria de trompetas situadas en diferentes lugares de la Sala, que van llamándose unas a otras, contestándose, llamando a la resurrección de la carne, al Juicio Final… El Coro se une, a continuación, junto con la Orquesta en pleno a la llamada de las trompetas… Oíd cómo los muertos se levantan de sus tumbas… Oíd cómo acuden, obedientes, a la llamada… Oíd. Y alucinad.

Pero antes he comentado que no solo quería centrarme en un movimiento si no que quería mostrar una interpretación de esta pieza....

En el año 2000, se le diagnosticó un cancer de estomago al gran maestro Claudio Abbado, director de la Berliner, un año después, tras perder parte de su sistema digestivo pero afortunadamente superar el cancer, quiso volver a los escenarios, y la obra elegida para su regreso fu la que hoy tratamos. 

Es impresionante el rostro de Claudio, que es casi el rostro de la muerte interpretando dicha obra. 

A continuación dejo dos videos. En el primero podemos disfrutar del Dies Irae que hemos comentado. El segundo es el final del requiem entero, si terminais de ver el video o lo pasáis hasta el final, podréis observar a un Claudio Abbado exhausto, y a un público fascinado, que tarda en aplaudir casi 30 segundo desde que concluye la obra por el mas el gran respeto que se le tiene al director. No tiene desperdicio.

Alberto Iglesias

Nacido en San Sebastián en 1955. Hablamos sin duda alguna del mejor y mas elogiado compositor de música de cine de España.
A lo largo de su trayectoria como compositor ha recibido numerosos premios, sobre todo destacan sus premios Goya y sus tres nominaciones a los Oscars. Además ha recibido en tres ocasiones premios del cine europeo, dos veces con cuatro nominaciones a los World Soundtrack Awards y premio del Hollywood film festival y nominaciones a los globos de oro y otros premios de importancia notable.

Yo definiría su música como una mezcla de estilos que sabe llevar al espectador a desarrollar la emoción que cada escena necesita. Su indudable genialidad musical está a la altura de los mas aclamados compositores de la actualidad.

Grandes películas le deben parte de su éxito a sus brillantes bandas sonoras compuestas por Iglesias, eso le ha convertido en un chico Almodovar, con quien ha repetido en varias ocasiones. También ha trabajado con directores como Julio Medem, también en varias ocasiones, y con Steven Soderbergh entre otros muchos.

A continuación podéis disfrutar de varias de sus mejores piezas.

- Empezamos con mi favorita, no solo por la fuerza que transmite, si no por la cantidad de emociones que genera al oyente. Algún día le dedicaré un post entero a esta maravilla. Forma parte dela B.S.O de la piel que habito y el título de la pieza es "Una patada en los huevos". 




- De Lucía y el sexo, "me voy a morir de tanto amor"




- De Hable con ella "Soy Marco"




- De El Topo, "George Smiley"

Robert Schumann - Konzertstück para cuatro trompas

»Konzertstück« en Fa mayor, op. 86, para 4 trompas y orquesta — El fantástico poder de las cuatro trompas al unísono fue una de las conquistas sinfónicas de Schumann (basta recordar las brillantes acometidas que les pide en la Tercera Sinfonía). La presente obra es uno de los testimonios de la afinidad del compositor con este instrumento... y uno de los mayores desafíos para cualquier trompista! Personalmente, me parece una de las creaciones más originales nunca concebidas, un atrevimiento lleno de inspiración.

 Según Pajares Alonso, el "Konzertstück" es, indudablemente, la obra más singular en explorar la evolución técnica de los instrumentos de viento. Las 4 solistas tienen válvulas, las 2 de la orquesta pueden ser naturales. Cada uno de los 3 movimientos comienza alejado de la tónica; el oyente siente que el movimiento comienza no al principio sino hacia la mitad. Schumann refleja el rico simbolismo de la trompa en la literatura alemana. Por ejemplo, en el movimiento central el efecto de eco producido por las dos trompas en canon sugiere un paisaje romántico de alguna balada de caballeros.

Brooklyn Snow

Today will be the first time I write in English in this blog, but it is in honor of the star of the post. Her name is Brooklyn Snow. It's a young from Oregon (USA) whose voice I discovered thanks to youtube communicative power. One day I was  listening to the famous duo of Rossini's cats when I found a video of this girl. I've always said that no matter what your instrument. The beauty of his music lies not only in the technique. There is an indefinable quality that makes you different from the rest. Like the first time I heard Maria Callas, Diana Krall or Corinne Bailey Rae, I knew this girl was not a regular soprano. I knew she has that something special. I'm sure she has a great future as a singer regardless the kind of music she finally decides to work with, and I am sure we will have the pleasure of enjoying her voice here on Spain in the not too distant future. Next to the spanish traslation I leave some videos of her.

Hoy va a ser la primera vez que escriba en inglés en este blog, pero es en honor a la protagonista del post.
Su nombre es Brooklyn Snow. Es una joven de Oregón (EE.UU) cuya voz descubrí gracias al poder comunicativo de youtube. Un día andaba yo escuchando el famoso duo de los gatos de Rossini cuando di con un video de esta muchacha. Siempre he dicho que tanto para la voz como para cualquier otro instrumento, la capacidad técnica e instrumentística no son lo mas importante. Existe una cualidad indefinible que te hace distinto al resto. Al igual que la primera vez que oí a María Callas, a Diana Krall o a Corinne Bailey Rae, supe que esta chica no era una soprano mas. Yo supe que ella tenía ese algo especial. Estoy seguro que tiene un gran futuro como cantante independientemente del género por el que se decante y estoy seguro que tendremos el gusto de disfrutar de su voz acá por España en un futuro no muy lejano. A continuación os dejo unos vídeos de ella.

Woody Allen

Este post se lo quiero dedicar a una de las personas que mas han hecho por la música en los últimos años. Aunque también cabe decir que la música ha hecho mucho por el porque qué sería del cine de Woody Allen sin las obras maestras que allí se pueden escuchar.

En este post, voy a hacer una pequeña selección de las mas conocidas piezas que se han podido escuchar en las películas del genio neoyorquino.

1. Sidney Bechet - Si Tu Vois Ma Mére

Empezando por una de sus última películas, en medianoche en París podemos gozar de esta sublime pieza de Sidney Bechet de la que ya he hablado en un antiguo post. Esta gran película no sería igual sin escuchar este clarinete sonando mientras gozamos con las imagenes de la bella París de los años '20




2. Benny Goodman - If I had you

Otra gran pieza y otro gran clarinetista, en esta ocasión disfrutamos de benny goodman y su orquesta en la película del 2010 Conocerás al hombre de tus sueños




3- Giulia y los tellarini - Barcelona

En este caso tenemos un caso de auténtica suerte y casualidad. Los músicos de la banda Se personaron en un hotel de Barcelona donde se alojaba el gran Woody Allen mientras filmaba "Vicky Cristina Barcelona" y dejaron un CD con su último trabajo en recepción. Alguien del equipo de Allen, se molestó en abrirlo y escucharlo. Ahora es la banda sonora de la película y, visto el trailer, parece que las imágenes acompañen a la música y no al revés.




4- Xavier Cugat - Miami Beach Rumba

En la divertida Scoop podemos disfrutar de uno de los mejores españoles especializados en latin jazz, es el caso de xavier cugat y su orquesta con miami beach rumba




5- Tchaikovsky - Lago de los cines (pas de quatre)

Una de las mas bellas piezas de ballet jamas compuestas perfectamente elegida porque concuerda su caracter juguetón con el punto cómico de la pélicula. Seguimos hablando de Scoop. Una película para mi gusto atacada injustamente por la crítica.




6- Match Point

En este punto he de hacer un ligero cambio. En el caso de Match Point, la película en si es un punto en esta lista de obras, dado que si alguna vez queréis comprar un cd con las mejores arias de la ópera, deberéis comprar la banda sonora de esta película. Jamas se ha visto una banda sonora escogida con mas gusto que la que ahora acontece. Hablar de todas las arias nos llevaría demasiado tiempo, así que mostraré tan solo la principal que sirve de cabecera en la película. Se trata de Una furtiva lagrima de la ópera El elixir de amor de Donizetti.





7- Duke Ellington & His Orchestra - Take the a Train

Esta pieza es una de las grande obras de "el duque" y podemos escucharla en Melinda y Melinda.

8- Billie Holiday - Did I remember?

Sin ánimo de menospreciar el filme, pero que mas motivo necesita uno para ver una película que el hecho de poder disfrutar de la voz de la gran Billie Holiday

9-  Benny Goodman & His Orchestra -   Sing Sing Sing

Repite de nuevo el gran Benny Goodman, aunque el tema fuera escrito originalmente por Louis Prima. Este ácido swing, puede escuchar en varias películas del genial director. Aparece en "Desmontando a Harry", "Historias de Nueva York" y en "Misterioso asesinato en Manhattan" y será en esta última donde presente mayor protagonismo, otorgandole a este cómico thriller neoyorquino, tensión y energía en momentos clave.

10- Glenn Miller & His Orchestra - In the Mood 

Es en Días de Radio donde Woody elige presentar este obra magna del swing jazz. La película no habría causado el mismo efecto de no ser por la música que en ella se presenta, qué es la que mejor define el caracter del contexto de la misma

11- Fred Astaire - Cheek To Cheek

Poco se puede decir de esta formidable escena de La rosa purpura del Cairo. Sublime!!!

12- Django Reinhardt -  I’ll See You In My Dreams

Hablaba precisamente de Django Reinhardt en mi último post. Increible el caracter que otorga el músico Belga a Stardust Memories. 

13- George Gershwin - Rhapsody in Blue

Uno de los mejores comienzos si no el mejor de la historia del cine. No sabría describir todo lo que llegan a transmitir Gershwin y Allen en esta apoteosica introducción. Mejor disfrutenlo ustedes.