domingo, 16 de diciembre de 2012

Sidney Bechet

Sidney Bechet nació en Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, el 14 de mayo de 1897 y murió en París, 14 de mayo de 1959. Fue un músico y compositor de jazz estadounidense, intérprete de saxofón soprano y clarinete. Bechet fue junto con Armstrong uno de los primeros grandes solistas de la historia del jazz. Estando en Londres se interesa por el saxofón soprano, instrumento que adopta y utiliza cada vez con más frecuencia que el clarinete, aunque siempre llevaba consigo un pequeño acordeón, con el cuál grabó sólo 2 piezas en 1924: "Wild Man Blues" e "Indiana". Entre 1924 y 1925 realizó una serie de memorables grabaciones con Louis Armstrong, quien también se había integrado a los conjuntos de Clarence Williams dedicados a las grabaciones.De 1938 en adelante, emprende una carrera como líder de agrupaciones diversas, enrolado dentro de la corriente del revival del jazz de Nueva Orleans, tocando y grabando en diferentes ciudades y circunstancias, produciendo abundante material en donde su saxofón soprano hacía las veces de voz líder de los conjuntos.En 1949 viaja a Francia para participar del Festival de Jazz de París, en la Salle Pleyel. Sus interpretaciones cautivan al público francés y al año siguiente vuelve a París para establecerse allí definitivamente, convirtiéndose en una celebridad del movimiento de jazz tradicional francés, integrando las formaciones de los clarinetistas Claude Luter y André Reweliotty. En 1951 contrae matrimonio con Elisabeth Ziegler (con quien había tenido una relación en Berlin en la década de 1920), en una ceremonia apoteósica que tuvo lugar en la villa de Juan-Les-Pins. Ese año compone uno de sus mayores éxitos, Petite Fleur (Pequeña Flor). En 1954 nace su único hijo, Daniel, y después de casi 10 años de residencia permanente en Francia, con giras y presentaciones por toda Europa, varios discos de oro, y otros éxitos, cae enfermo de cáncer de pulmón hacia fines de 1958, falleciendo en París el 14 de mayo de 1959, el mismo día en que cumplía 62 años.Bechet fue para mí el verdadero epítome del jazz... todo lo que el tocó a lo largo de toda su vida fue completamente original. Honestamente pienso que él fue el único hombre que he querido ser en esta música —Duke Ellington






sábado, 24 de noviembre de 2012

vals sentimentale op.51 nº 6 - tchaikovsky

Otra vez volvemos con Tchaikovsky. En esta ocasión nos centramos en este Vals Sentimentale del genial compositor ruso, y digo nos centramos, porque esta no es una obra para oir, es una de tantas piezas que merece la pena ser escuchada. Hace honor a su nombre porque en menos de cuatro minutos logra sacar de ti un amplio abanico de sentimientos, me produce melancolía y alegría, desesperación y esperanza, compañía y soledad, ansiedad y paz …

Por eso mas que destripar el esquema rítmico o armónico de la pieza en esta ocasión os insto a que bajéis las luces, os aisléis del mundo, y la disfrutéis, desde su juguetón ritmo terciario hasta su fraseo apasionado, que en esta ocasión nos viene dado por el genial Vasily Romanov al piano en este primer video y por Arthur Grumiaux en el segundo.



viernes, 23 de noviembre de 2012

Carnaval de los animales - Saint Saens


El Carnaval fue compuesto en febrero de 1886, mientras Saint-Saëns veraneaba en un pequeño pueblo de Austria. Originalmente, fue concebida para un grupo de cámara compuesto de flauta, clarinete, dos pianos, armónica de cristal, xilófono, dos violines, viola,violonchelo y contrabajo, pero también se suele interpretar hoy en la versión para orquesta de cuerda, y con un glockenspiel en sustitución de la infrecuente armónica de cristal.
El compositor planeó la obra como broma para un día de carnaval, así que aparecen leones, gallinas, tortugas, canguros, burros y varios animales más y tiene toques de buen humor por aquí y por allá. Uno de ellos es que Saint-Saëns tomó prestada música de otros compositores y la puso en un contexto muy distinto del original. Así insertó desde canciones antiguas francesas hasta el “Can-can”, pasando por un trozo de la Danza macabra del mismo Saint-Saëns.
El autor, según parece temeroso de que la obra resultara demasiado frívola y pudiera perjudicar su reputación de compositor serio, prohibió que esta obra se editara mientras él viviera (con excepción de una sola pieza: “El cisne”). Sólo se dieron interpretaciones privadas para un círculo de amigos íntimos, como Franz Liszt.
Sin embargo, Saint-Saëns dispuso en su testamento que la suite podría ser publicada tras su muerte, y desde entonces se ha convertido en una de sus obras más populares.

A continuación podéis escuchar uno de sus movimientos. Aquarium.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Chick Corea - Spain

Dado que próximamente vamos a poder disfrutar de un concierto de este formidable músico en mi ciudad, no veo mejor momento para hablar de Armando Anthony Corea, mas  conocido como Chick Corea, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz, ganador de numerosos premios Grammy.
Corea es muy conocido por su trabajo durante los años 70 en el género de jazz fusion. En los años 1960, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la banda de Miles Davis, y posteriormente creó el grupo Return to Forever, formando equipo con otros virtuosos instrumentistas.
A lo largo de los años 80 y 90 prosiguió con sus colaboraciones con otros músicos, como Gary Burton. Junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, Corea es considerado generalmente como uno de los más influyentes pianistas posteriores a Bill Evans y McCoy Tyner. Su manera de tocar en ciertos aspectos recuerda a la de Herbie Hancock, aunque Corea mantiene un estilo peculiar. Además, es compositor de varios estándar del jazz: Spain, La Fiesta y Windows.

A continuación podéis disfrutar de una de estas tres obras. Spain, que para mi es sin duda la mejor de ellas.

Candide (obertura) - L.Bernstein


Candide fue originalmente concebida por Lillian Hellman como una obra con música incidental en el estilo de su obra precedente, The Lark. Bernstein, sin embargo, se interesó tanto por la idea que convenció a Hellman para hacerla como una "opereta cómica"; ella entonces escribió el libreto original para la opereta. Muchos letristas intervinieron en el espectáculo: primero James Agee (cuyo trabajo al final no se usó), luego Dorothy Parker, John Latouche y Richard Wilbur. Además, las letras de "I Am Easily Assimilated" las hicieron Leonard y Felicia Bernstein, y Hellman escribió las palabras de "Eldorado". Hershy Kay orquestó todo salvo la obertura, que hizo el propio Bernstein.
Candide se estrenó en Broadway como un musical el 1 de diciembre de 1956. 
La obertura de Candide pronto ganó un lugar aparte en el repertorio orquestal. Después de una exitosa representación de concierto el 26 de enero de 1957, por la Orquesta Filarmónica de Nueva York bajo la batuta del propio compositor, pronto se hizo popular y fue interpretado por cerca de otro centenar de orquestas dentro de los dos años siguientes. Desde entonces, se ha convertido en una de las composiciones orquestales interpretada más frecuentemente por un compositor estadounidense del siglo XX; en 1987, fue la pieza más interpretada de música de concierto de Bernstein.

Preludio en sol m Op.23/5 - S. Rachmaninov

Con mucho una de las mas bellas y apasionadas obras para piano que he tenido el placer de escuchar. Una impresionante mezcla de hermosura junto con un marcado caracter eslavo. Este preludio comienza con una suerte de marcha que, como tal, no acepta interferencias, ya lo sabe todo y es bueno así. Pero una ventana se abre de par en par e irrumpe una melodía deseosa, como una noche estrellada, en donde se hace presente la espera original del hombre. El corazón del hombre quiere algo infinitamente más grande que su medida. Con todo, la marcha se retoma, más firme y altiva que nunca, redoblando su resistencia.


Fuga en sol menor "la pequeña" - Bach

La fuga en sol menor de Bach, BWV 578 "la pequeña" es una pieza compuesta para organo en algún momento durante su estancia en Arnstadt (1703-1707). Es para mi la mejor fuga del compositor y una de las mas escuchadas a día de hoy. Se han realizado cantidad de transcripciones para otros instrumentos, incluida una versión orquestal realizada por Leopold Stokowski.
El sobre nombre de "la pequeña" le vino dado por ser menor en duración que la fantasia y fuga en sol menor BWV 542, nada tiene que ver con la importancia o calidad de estas.  


A continuación podéis disfrutar de la versión orquestal que antes mencionaba:

martes, 20 de noviembre de 2012

Mis disculpas

Perdón por la espera
Hace ya meses de la última entrada publicada en este blog, y creo que mis seguidores se merecen una explicación. No es ni mas ni menos que la temprana muerte de quien me servía de puente para transmitir mi música, mi portatil, que decidió darse un chapuzón. Si a eso le sumamos que mi momento del día dedicado  al blog, era la noche, cuando reposaba plácidamente en la cama junto con mi portatil, la respuesta es, varios meses sin apenas conectarme a internet mas que con mi movil, con el que me niego a subir entradas a este blog. Sin embargo hoy he decidido compensaros por lo que subiré varias obras maestras de golpe.


miércoles, 11 de julio de 2012

La Pasión según San Mateo - J.S.Bach


La Pasión según San Mateo (en alemán Matthäus-Passion; en latín Passio Domini Nostri J. C. Secundum Evangelistam Matthaeum) BWV 244 es una pasión oratórica de Johann Sebastian Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de San Mateo. Con una duración de más de dos horas y media (en algunas interpretaciones incluso más de tres horas), es la obra más extensa del compositor. Es una obra central de la música artística (Hubert Parry la ha definido como el más rico y noble ejemplo de la historia de la música sacra).
La Pasión según Mateo consta de dos grandes partes conformadas por 68 números. El texto del evangelio de San Mateo, capítulos 26 y 27, es cantado literalmente por un evangelista, y las personas de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) por los demás solistas. Alrededor del texto bíblico se agrupan coros, corales, recitativos y arias con la intención de interpretar el texto.

No se sabe con certeza si la Pasión según Mateo fue compuesta en 1727 o 1729. Aunque se relaciona directamente con la música fúnebre para el príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen de 1729, se desconoce si la cantata fúnebre sirvió como modelo para la pasión o si la pasión fue el modelo de la cantata (o si existen otros orígenes anteriores). De cualquier forma, la Pasión según Mateo fue interpretada el 15 de abril de 1729 (Viernes Santo) en la iglesia de Santo Tomás en Leipzig bajo la dirección del compositor, en una representación para la cual Bach no pudo disponer de los recursos idóneos (en un memorándum al Consejo de la ciudad de Leipzig, se quejó de que únicamente 17 de los 54 miembros del coro hubieran estado a la altura). Ahora bien, en 1975, el musicólogo Joshua Rifkin demostró que el estreno se produjo en 1727.
A pesar de que la obra no fue muy estimada en su tiempo por su estilo "operístico", rechazado en su mayoría por los representantes del Pietismo dentro de la burguesía de Leipzig, Bach revisó algunas de las partes de la obra varias veces, la última de ellas en 1736, en donde incluyó un grupo de continuo con órgano para cada uno de los dos coros.
Tras la muerte de Bach, la obra cayó en el olvido (como, en general, toda la obra del compositor) y no fue hasta 1829 cuando el compositor y director Felix Mendelssohn volvió a interpretarla con la Sing-Akademie de Berlín en una versión abreviada. La reinterpretación de esta obra dio inicio a un fuerte interés por el estudio y el análisis de las obras de Bach, particularmente las de gran escala, que ha persistido hasta nuestros días. Tras el redescubrimiento de la obra en 1829 por parte de Mendelssohn, Adolf Bernhard Marx, íntimo amigo por aquella época del compositor, persuadió al editor musical Adolf Martin Schlesinger de emprender la publicación de esa obra, haciendo a la obra maestra de Bach accesible para los académicos por primera vez



miércoles, 4 de julio de 2012

Suites para chelo - Bach


Las Seis Suites a Violoncello Solo senza Basso BWV 1007-1012, compuestas por Johann Sebastian Bach, son unánimemente consideradas como una de las mayores obras para violonchelo jamás escritas. Prácticamente relegadas a una mera función didáctica hasta su "redescubrimiento" por parte de Pau Casals, a finales del siglo XIX, se han convertido con el paso de las décadas en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Aunque resulta difícil establecer con exactitud cuándo fueron compuestas, sabemos que las suites vieron la luz durante el llamado "período de Cöthen", cuando Bach ejercía como maestro de capilla en la corte del príncipe Leopold. A diferencia de la otra gran colección bachiana para instrumento de cuerda solo, las seis Sonatas y partitas para violín, no conservamos el manuscrito del propio compositor, sino una copia redactada por su segunda esposa, Ana Magdalena, y que debemos fechar en torno a 1720 o 1721.
Cada una de las suites se divide en seis movimientos, siguiendo una estructura fija: un preludio inicial (que en la mayoría de casos supone la sección más importante de la suite) seguido por los cinco movimientos de danza: alemanda, courante, zarabanda, una danza galante (un minueto en el caso de la primera y segunda suites, una bourrée en la tercera y la cuarta, y una gavota, en la quinta y la sexta) y finalmente una giga.

A continuación podéis escuchar el preludio de la primera suite

lunes, 2 de julio de 2012

Serrat y Miguel Hernandez- Elegía

  Se que no es propio de este blog salirse del jazz y la música clásica pero voy a hacer una excepción para "colgar" una canción de uno de mis autores favoritos, y que al mismo tiempo contiene uno de mis poemas favoritos, "Elegía" de "el rayo que no cesa", de Miguel Hernández, dedicado a su fallecido amigo Ramón Sijé. Una obra maestra

lunes, 25 de junio de 2012

4ª sinfonía de Tchaikovsky


Tchaikovsky: Sinfonía nº 4

Finalizada durante el invierno de 1877 en Venecia (¿puede haber una combinación más decadente que inverno nella Serenissima?) la Sinfonía nº 4 en fa menor data del año más crítico de la vida de Tchaikovsky (1848-1893), su malograda boda, su intento de suicidio, el comienzo de la amistad (exclusivamente epistolar) con su mecenas Nadezha von Meck. A petición suya, y a posteriori de su estreno, Tchaikovsky le proporcionó un programa a su sinfonía, un intento literario privado que ha contaminado innecesariamente la obra (en la misma carta declara: “por su misma naturaleza no se presta a este tipo de interpretación”). En vez de transcribir este forzado programa intentaremos señalar la estructura musical. ¿Qué nos impide disfrutar de la música de Tchaikovsky si ignoramos la famosa carta a von Meck?

Obra inestable, de violentos contrastes, tanto dentro de los movimientos, como entre los mismos; de instrumentación tímbrica imaginativa y hábil armónia cromática que la reviste de modernidad. El equilibrio entre la estructura y su peculiar estilo personal, donde lo lírico sobrenada siempre la arquitectura, presenta fisuras en la espesura del tejido sinfónico (a ritmo de ballet) que revelan al tardío romántico, tímido y a la vez profundo que fue Tchaikovsky.
Andante sostenuto-Moderato con anima-Moderato assai, quasi andante-Allegro vivo. El primer movimiento, complejo e innovador, es tan largo como los otros tres juntos, creando una larga sombra en atmósfera y temas. Aunque la base conceptual sea la 5ª sinfonía de Beethoven, su desconcertante riqueza de ideas, tonalidades, desarrollos e interrelaciones, se integran en un novel esquema sonata. La llamada oracular que supone la fanfarria inicial, de abrupta orquestación (trompas y fagotes), es el núcleo de la obra, no sólo temáticamente, sino también en términos dramáticos. Su irrupción cíclica crea una atmósfera obsesiva y consigue una gran solidez estructural, separando cada sección de la sonata. El moderato con anima presenta el primer tema (onírico, cromático y de acentuación sincopada) “in movimento di vals”, llevado alternativamente por maderas y cuerdas sobre un ritmo gemido de vals triste, al que sigue el cadencioso segundo tema en el clarinete, una simple escala descendente de cuatro notas (generalmente fa a do, y que aparecerá más o menos embozada por toda la sinfonía), con ecos por el resto de los vientos, que a su vez es reemplazado por gentiles cuerdas respondidas por un calmo desarrollo del primer tema en las maderas. Los subsiguientes entradas y recapitulaciones (los desarrollos temáticos son reemplazados por contrastes armónicos) son inevitablemente barridas por bruscas reapariciones del tema-fanfarria: Ante la fragmentación del discurso y los continuos cambios de tempo, la forma no puede soportar el tumulto subyacente y se resquebraja (y naufragará definitivamente en aguas mahlerianas). Todo el esfuerzo en este movimiento de proporciones épicas no conduce a ninguna parte, ni melódica, armónica, estructural, emocionalmente... ¿Un puente a ninguna parte? se preguntaba Gustave von Aschenbach; no, puente entre Beethoven y Mahler.

Manteniendo armonía y texturas, Tchaikovsky cambia la escena: 2 Andantino in modo di canzona. Una larga melodía dibujada por el oboe en inconstantes corcheas y libre articulación (“semplice ma grazioso”) sobre pizzicati de las cuerdas, y luego recogida por éstas en una respuesta de mayor urgencia. Un segundo tema de ritmo fuerte pero elástico (la escala de cuatro notas es en esta ocasión ascendente) precede al retorno al primer tema, vagando tristemente de un instrumento a otro –clarinete, oboe, flauta, violines, cellos– para desvanecerse en una última y extravagante exposición por el fagot. Melancolía y nostalgia van de la mano en la utilización vocal, casi operística, de las maderas.

Scherzo: Pizzicato ostinato-Allegro. En el scherzo, formalmente ABA, hay tres veleidosas ideas sin relación entre sí: a) El vertiginoso y juguetón pizzicato sin precedentes en longitud (97 notas), que “emplea un novedoso efecto orquestal, que he ideado yo mismo”, pasando el tema de unos grupos a otros, como un diálogo divertido, frívolo e incitante (scherzo significa broma); b) Un trío para vientos sobre un tema popular danzable, variable y tornasolado, que incluye un solo de flauta piccolo con un nivel técnico de pesadilla (21 notas en tres segundos!); c) En la distancia, una parada militar (que también está basada en la figura de las cuatro notas descendentes) acompasada por los metales, preparando el camino para la compulsión shostakovichiana.

Finale: Allegro con fuoco. Sobre un fondo ruso, del tipo fatalista de Dostoyesky o futil de los personajes de Chejov, se exhibe bruscamente un banal y alegre disfraz cosmopolita. Basado en una canción popular, el sinfonismo folckórico de Tchaikovsky alcanza aquí su clímax, en esta marcha descontrolada que empieza a toda velocidad en medio del alboroto, y que es alanceada finalmente por el lazo narrativo (fanfarria), que regresa para imponerse en catarsis, si bien como efecto dramático más que por desarrollo orgánico. La estridente percusión pasa al primer plano en la coda, que dramatiza en una extrovertida, ruidosa (y falsa) conclusión triunfal, cual escena de gran ópera.


miércoles, 20 de junio de 2012

Herb Alpert


Herbert "Herb" Alpert (Los Ángeles, California, EEUU, 31 de marzo de 1935) es un trompetista y cantante estadounidense conocido por formar parte del grupo Herb Alpert & The Tijuana Brass, Herb Alpert's Tijuana Brass o simplemente TJB, referente internacional del acid latin jazz ó Tijuana´s Marimba Brass.
Los logros musicales de Alpert incluyen cinco números uno, veintiocho álbumes en las listas de Billboard, ocho Premios Grammy, catorce discos de platino y quince discos de oro. En 1996, Alpert había vendido 72 millones de álbumes en todo el mundo.


Manuel de Falla: El amor brujo

Manuel de Falla (Cádiz, 1876 - Alta Gracia, Argentina, 1946, fue, con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el tercero de los nombres que conforman la gran trilogía de la música nacionalista española. 


Nunca fue un compositor prolífico, pero sus creaciones, todas ellas de un asombroso grado de perfección, ocupan prácticamente un lugar de privilegio en el repertorio. Recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, una excelente pianista que, al advertir las innegables dotes de su hijo, no dudó en confiarlo a mejores profesores. Tras trabajar la armonía, el contrapunto y la composición en su ciudad natal con Alejandro Odero y Enrique Broca, ingresó en el Conservatorio de Madrid, donde tuvo como maestros a José Tragó y Felip Pedrell. 


Tras algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los amores de Inés, los años de estudio en la capital española culminaron con la composición de la ópera La vida breve, que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aunque las bases del concurso estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, y ello ni siquiera fue en Madrid sino en Niza. 


La madurez creativa de Falla empieza con su regreso a España, en el año 1914. Es el momento en que compone sus obras más célebres: la pantomima El amor brujo y el ballet El sombrero de tres picos (éste compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Serge de Diaghilev), las Siete canciones populares españolas para voz y piano y la Fantasía bética para piano. 


"El amor brujo" no es una zarzuela, es un ballet, pero la maravillosa "Danza del fuego" bien se merece este espacio. 
Breve argumento:
Amor, baile y muerte. Estas son las tres claves de "El amor brujo". Carmelo está enamorado de Candela, cuyo padre le ha arreglado el matrimonio con José, siguiendo la ley gitana. José, que sigue viendo a su amante Lucía aún después de casado, muere apuñalado poco después, de lo que es acusado Carmelo, quien pasa cuatro años en la cárcel. Al regresar al poblado, Carmelo ve aterrado cómo Candela baila cada noche con el espíritu de José en el lugar en que fue asesinado. Una hechicera recomienda a Carmelo que baile con Candela la danza del fuego, para apartar de ellos al espectro que les separa. Fracasan en el intento, y la única solución es que la que fue amante de José en vida lo sea también en la muerte.
El siguiente resumen aparece en la partitura publicada de El amor Brujo:


Candelas, una joven muy bella y apasionada, ha amado a un gitano malvado, celoso y disoluto, pero fascinante y lisonjero. Aunque ha llevado con él una vida infeliz, le amó intensamente y lamentó su pérdida, incapaz de olvidarle. El recuerdo que guarda de él es como un sueño hipnótico, un hechizo mórbido, horroroso y enloquecedor. Está aterrada por el pensamiento de que el muerto quizá no se haya ido del todo, de que puede regresar y que continúa amándola a su modo feroz, sombrío, infiel y acariciante. Se vuelve víctima de sus pensamientos del pasado, como si estuviera bajo la influencia de un Espectro; sin embargo ella es joven, fuerte y vivaz. La primavera vuelve y con ella el amor, en la figura de Carmelo. Carmelo, un galán apuesto, joven y enamorado, trata de seducirla. Candelas no es reacia a ser conquistada y casi inconscientemente responde al amor, pero la obsesión de su pasado pesa contra su actual inclinación. Cuando Carmelo se acerca a ella y trata de hacerla compartir su pasión, el Espectro regresa y aterroriza a Candelas, a la que separa de su amante. Los amantes no pueden intercambiar el beso del amor perfecto.


Carmelo se va y Candelas languidece y se marchita. Se siente como embrujada y su amor pasado parece revolotear pesadamente a su alrededor en la forma de murciélagos malévolos y agoreros. Pero este hechizo malvado debe ser roto y Carmelo cree haber encontrado un remedio. En otro tiempo él fue camarada del gitano cuyo Espectro ronda a Candelas. Sabe que el amante muerto era el típico galanteador andaluz infiel y celoso. Como parece conservar, aun después de muerto, su gusto por las mujeres bellas, debe ser sorprendido en su lado flaco y de este modo apartado de sus celos póstumos, con el fin de que Carmelo pueda intercambiar con Candelas el beso perfecto contra el cual no tiene poder la brujería en contra del amor.


Carmelo persuade a Lucía, una joven gitana encantadora-mente bella, amiga de Candelas, que simule aceptar los avances del Espectro. Lucía, por cariño a Candelas y por curiosidad femenina, acepta. La idea de flirtear con un fantasma le resulta atrayente y novedosa. ¡Y además, en vida el muerto había sido tan jovial! Lucía ocupa el puesto del centinela. Carmelo regresa a seducir a Candelas y el Espectro interviene -pero se encuentra con la encantadora gitanilla y no puede ni quiere resistirse a la tentación-, pues él no sabe decir que no a la atracción de una cara bonita. Comienza a seducir a Lucía, engatusándola e implorándole, y la coqueta joven gitana le lleva casi a la desesperación. Mientras tanto, Carmelo logra convencer a Candela de su amor y la vida triunfa sobre la muerte y sobre el pasado. Los amantes por último intercambian el beso que derrota la influencia maligna del Espectro, el cual perece, definitivamente conquistado por el amor.


viernes, 15 de junio de 2012

Edvard Grieg, Sorpresa en el metro de Copenhage

Tal día como hoy en 1843 nació  el compositor noruego Edvard Grieg, por ello quiero compartir el siguiente video en el que la filarmónica de Copenhage toca de incógnito en el metro, sorprendiendo a los usuarios que se hallaban ahí.
La obra que interpretan es Peer Gynt, una de las piezas mas importantes del compositor noruego.

Carnaval de los animales

 Es una suite musical en 14 movimientos compuesta por el compositor romántico francés Camille Saint-Saëns. Esta obra orquestal tiene una duración de entre 22 y 30 minutos.

Le Carnaval fue compuesto en febrero de 1886, mientras Saint-Saëns veraneaba en un pequeño pueblo de Austria. Originalmente, fue concebida para un grupo de cámara compuesto de flauta, clarinete, dos pianos,armónica de cristal, xilófono, dos violines, viola, violonchelo y contrabajo, pero también se suele interpretar hoy en la versión para orquesta de cuerda, y con un glockenspiel en sustitución de la infrecuente armónica de cristal.
El compositor planeó la obra como broma para un día de carnaval, así que aparecen leones, gallinas, tortugas, canguros, burros y varios animales más y tiene toques de buen humor por aquí y por allá. Uno de ellos es que Saint-Saëns tomó prestada música de otros compositores y la puso en un contexto muy distinto del original. Así insertó desde canciones antiguas francesas hasta el “Can-can”, pasando por un trozo de la Danza macabra del mismo Saint-Saëns.
El autor, según parece temeroso de que la obra resultara demasiado frívola y pudiera perjudicar su reputación de compositor serio, prohibió que esta obra se editara mientras él viviera (con excepción de una sola pieza: “El cisne”). Sólo se dieron interpretaciones privadas para un círculo de amigos íntimos, como Franz Liszt.
Sin embargo, Saint-Saëns dispuso en su testamento que la suite podría ser publicada tras su muerte, y desde entonces se ha convertido en una de sus obras más populares.

Como sugiere el título, la obra sigue un programa zoológico y va desde el primer movimiento ("Introducción y marcha real del León"), pasando por los retratos del elefante y el burro ("Personajes con largas orejas") hasta el final, cuando retoma muchos de los temas anteriores.
Varios de los movimientos contienen guiños humorísticos:
  • "Pianistas" describe a unos estudiantes de piano mientras practican sus escalas.
  • "Tortugas" utiliza de manera ingeniosa el conocido can-can de la operetta de Jacques Offenbach Orfeo en los Infiernos, tocando la habitualmente dislocada melodía a un tempo inusualmente lento y pausado.
  • "L'Éléphant" es la "Dance des sylphes" de Hector Berlioz en una tesitura mucho más grave que el original, a manera de solo para el contrabajo.también cita brevemente el Scherzo de "El sueño de una noche de verano" de Felix Mendelssohn. Se escucha al final de la sección que sirve de puente modulante.
  • "Fósiles" cita la Danza macabra del propio Saint-Saëns, así como dos canciones infantiles, J'ai du bon tabac y Ah ! vous dirai-je, Maman (Campanitas del lugar), y también el aria de Rossini de El barbero de Sevilla
  • Se cree que la sección de los 'Personajes con largas orejas' va dirigida a los críticos musicales: también son los últimos animales que se escuchan en la apoteosis final, rebuznando.
  • "Hémiones" Los dos pianos se lanzan en una desenfrenada carrera en tonalidad de do menor, emulando el comportamiento esquivo de estos inusuales animalitos.
  • "Le cygne" una de las partes más tranquilas de la obra, en donde dos pianos y un cello interpretan el sereno y natural paseo de un cisne en su hábitat natural.
  • "Final" el abrupto despertar de los pianos, seguidos por el glockenspiel nos anuncian que el final de la obra ha llegado y con el, se pasa revista a la mayoria de los animales representados en escena.
  • "Voliére" los pianos con sus melodiosos adornos acompañan a la flauta quien virtuosamente representa el libre vuelo de los pájaros.



miércoles, 13 de junio de 2012

Jose Alberto Pina




Ya estaba demorando demasiado el incluir en mi blog a otro gran compositor de nuestra tierra, un gran percusionista y también un amigo y compañero. Al igual qe yo se crió musicalmente hablando en la escuela de la banda de música de Sauces, y continuó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Cartagena. Finaliza estudios de Dirección de Orquesta en el Conservatorio Superior de Música de Murcia con José Miguel Rodilla, habiendo también recibido clases de perfeccionamiento con profesores como José Rafael Pascual-Vilaplana, Jerzy Salwarosky, John Phillips (King’s College London), Jan Van der Roost, César Álvarez, Jan Cober, Paolo Bellomia (Université de Montréal), Frank de Vuyst, Thomas Verrier, Manuel Hernández Silva, Lutz Kholer en la Universität der Künste (UDK) de Berlín, etc.
Ganador del I Concurso de Dirección de Orquesta “Ciudad de San Vicente del Raspeig” y del I Concurso Nacional de Dirección de Banda “Ciudad de Puertollano”.
Obtiene el 1er premio en el concurso de composición para banda de La Font de la Figuera y es premiado en el II Concurso Iberoamericano de Composición para Banda “Vila de Ortigueira” con la obra El Triángulo de las Bermudas.
En la actualidad desarrolla su actividad como compositor en la editorial Holandesa Molenaar Edition con la que graba varios CD’s, en Italia Scomegna Edizioni Musicali y la editorial valenciana Piles Ed.
Sus trabajos han sido interpretados por bandas de renombre en España, Holanda, Italia, Portugal y Argentina.
Puedo decir que ha sido un verdadero placer tocar junto a este grandísimo músico, y espero repetir esa experiencia en un futuro. Aquí os dejo el enlace, donde podréis acceder a su web, en donde además del currículum que ya habéis leido, podréis estar al tanto de todo tipo de novedades y de sus trabajos.





Gluck: Orfeo y Euridice


es una ópera en tres actos del compositor alemánChristoph Willibald von Gluck, con libreto de Raniero di Calzabigi, que data de 1762 y basada en el mito de Orfeo. Pertenece al género de azione teatrale (acción teatral), que implica que la ópera se basa en un tema de la mitología y utiliza danzas y coros. La pieza se estrenó en Viena el 5 de octubre de 1762.
Gluck plasma su intención de reformar la ópera, tratando de que la poesía, el lenguaje y la acción dramática reflejaran la sencillez y el poder de latragedia griega. Orfeo y Eurídice es la primera ópera "de reforma" de Gluck, en la que intentó reemplazar la trama abstrusa y la música de gran complejidad de la ópera seria por una "noble simpleza" en la música y el drama.
La ópera es la más popular de las obras de Gluck, y una de las más influyentes en la ópera alemana posterior. Variaciones en su trama —la misión de rescate subyacente en la que el héroe debe controlar, u ocultar, sus emociones- incluyen La flauta mágica de Mozart, Fidelio deBeethoven y El oro del Rin de Wagner.
Pensado originalmente para un libreto en italiano, Orfeo y Eurídice le debe mucho al género de la ópera francesa, particularmente en su uso derecitativo con acompañamiento y una ausencia general de virtuosismo vocal. De hecho, doce años después de su estreno de 1762, el 2 de agosto de 1774, Gluck adaptó la ópera para que acomodara a los gustos del público parisino en la Académie Royale de Musique. Este nuevo trabajo en la obra recibió su nombre en francés Orphée et Eurydice y contenía múltiples cambios en el reparto vocal y en la orquestación para adaptarse al gusto francés. Esta ópera es la obra más popular de Gluck.

domingo, 10 de junio de 2012

When you're smiling

Hoy dejo un gran éxito del fabuloso Larry Shay y sus multiples versiones

http://www.youtube.com/watch?v=0-L4qwZTn8E











http://www.youtube.com/watch?v=SlRJkdjmBcM


jueves, 7 de junio de 2012

Claude debussy: Claro de luna

Nada hacía presagiar que el niño Achille-Claude Debussy, finalmente autor de más de 800 obras para orquesta, instrumental y de cámara, estaba predestinado a la música. Su genealogía apuntaba a cualquier cosa menos al arte. Nacido en 1862 en una pequeña ciudad situada a orillas del Sena, su bisabuelo había abierto un taller de cerrajería en París luego de casarse con la hija de un carpintero, y un tío, hermano de su padre, ejerció asimismo el noble oficio de la carpintería de banco.

El padre de Claude, por su parte, se enroló muy joven en la infantería de marina y luego probó suerte en las más diversas profesiones. Cuando en 1871 se desencadenaron los sucesos de la Comuna de París quiso tocar también el cielo con las manos y se unió a las filas de los revoltosos. El fracasado levantamiento terminó con él juzgado y enviado a la cárcel durante un año. Las circunstancias luego se conjugaron para que la madre de otro comunero preso se interesara en la familia del compañero de su hijo. Discípula de Chopin, según ella misma, no tuvo dificultades para intuir la disposición musical del niño Claude.

Madame Mauté de Fleurville, que así se llamaba la pretendida discípula de Chopin, preparó gratuitamente a Claude para su ingreso al Conservatorio de París, lo que consiguió en 1872. Ocho años más tarde, una gran dama rusa, Nadezhda von Meck, amiga y protectora de Tchaikovski, solicitó al Conservatorio que le proporcionara un joven pianista para dar lecciones a sus hijos. El elegido fue Claude. Al año siguiente, la señora von Meck lo invitó a unírsele en un viaje a Moscú. El verano siguiente, Claude se repitió el plato, con lo que la confianza en sí mismo debe haber experimentado un salto descomunal, y entonces cometió el error.

Con sorprendente audacia, Claude se atrevió a pedir a la señora von Meck la mano de su hija Sonia. La señora von Meck escuchó su petición mientras observaba el jardín a través de los ventanales. Luego volvió la cabeza y le preguntó a Claude si no le molestaría regresar a París en el próximo tren.

Claro de luna de la Suite Bergamasque
El célebre Claro de Luna de Debussy es una de las cuatro piezas que conforman la Suite Bergamasque, si bien el proyecto inicial, de 1890, no la contemplaba. En una revisión muy posterior, en 1905, Debussy sustituyó dos de las cuatro piezas originales. El Claro de Luna es uno de estos reemplazos y posiblemente la pieza que terminó por hacer popular a la suite completa.





lunes, 4 de junio de 2012

El "LA" de Schumann

Hoy quiero hablar de un punto en especial de la vida del grandísimo Schumann. Pese a que muchos lo sabrán, hay quién desconoce que Robert Schumann padeció de problemas de desequilibrio mental, ya que desde pequeño poseía un comportamiento hipersensible, melancolía, introversión, alucinaciones auditivas, fobias, intentos de suicidio, lo que le llevó a acabar sus días en el manicomio de Endenich. Cabe decir en su defensa que mucho se ha exagerado por lo romántico del asunto, aunque no cabe duda alguna de la seriedad del trastorno bipolar sufrido por el compositor.
En referencia a su obra, decir que no son fruto de la "locura" aunque el mismo músico reconocía que su música no sería la misma si no fuera por ella. En su última etapa de locura, el músico alemán escuchaba  voces y ruidos que se transformaban en música, en especial, había una nota que le perseguía; la nota "LA" le martilleaba sin parar  hasta el punto de intentar suicidarse. Tras errar en su intento, ingresó en el manicomio hasta su muerte, acompañado en todo momento por su mujer Clara Schumann y su mejor e inseparable amigo, Johannes Brahms.


domingo, 3 de junio de 2012

Trío para piano, violín y trompa de Brahms, op 40

Espero me disculpe por el tiempo que he estado sin subir nada pero el tiempo escasea en época de exámenes. Quiero volver a darle vida a mi blog con uno de los mas bellos tríos para trompa, violín y piano que he escuchado.


Comenzado durante el verano de 1864, durante una estancia en Baden-Baden, esta partitura no fue terminada hasta la primavera del año siguiente, cuando el compositor (entonces de treinta y un años de edad) acababa de perder a su madre: sin embargo, es inexacto alegar que la obra fue escrita en memoria de este ser querido, por más que Brahms reuniera aquí los tres instrumentos que practicó en su muy primera juventud. En realidad, los paisajes de la Selva Negra, frecuentados en 1864, son los que le inspiraron; él mismo lo confirmaría a su amigo Dietrich durante un paseo por los alrededores de Badén en 1867: «Caminaba una mañana y, en el momento en que llegué allí, el sol se puso a brillar entre los troncos de los árboles: la idea del Trío me vino inmediatamente al espíritu con su primer tema». Por consiguiente, es obra de Naturaleza y «natural» tanto en su sobriedad como en su sentimiento dominante. Es de notar que el músico no emplea la trompa moderna, ya por entonces de uso extendido, sino la trompa de caza, lo que limita las posibilidades técnicas del instrumento, pero vivifica las sonoridades poéticas y maravillosamente evocadoras: en efecto, son estas cualidades «colorísticas» del instrumento las que Brahms quiso resaltar, rechazando por completo el papel de primer plano, la elocuencia ostentosa de un solista. El Trío op. 40 es, ciertamente, una excepción en la historia de la música de cámara germana del siglo XIX, puesto que la trompa casi no había tenido oportunidad de manifestarse abiertamente más que en la Sonata op. 17 de Beethoven. Pero, no obstante, fue una voz «romántica» por excelencia, y Brahms, aun preservando aquí el equilibrio clásico de sus obras más significativas, no tuvo dificultad para persuadirnos de ello. La primera audición pública de la obra fue dada el 7 de diciembre de 1865 en Karlsruhe (Simrock la publicó a finales de 1866): el compositor estuvo al piano y dos miembros de la orquesta del gran ducado -el trompista Segisser y el violinista Ludwig Strauss- prestaron su concurso. No tenemos información sobre la acogida dispensada a una partitura que Brahms quiso siempre especialmente y que pese a ello -debido quizás a las dificultades de la parte de trompa y a su relativa desaparición- no se toca frecuentemente.











jueves, 10 de mayo de 2012

Javier Pérez Garrido




Ya estaba tardando demasiado en dedicarle un espacio a quien para muchos está llamado a ser uno de los mas grandes compositores a nivel nacional y ojala algún día a nivel internacional. Casualmente no solo es de mi amada Cartagena, si no que da la casualidad de que nuestros comienzos en el bello arte de la música fueron de la mano, ambos coincidimos durante unos años en la que sería nuestra primera iniciación a la música en la escuela de música de la asociación de vecinos Sauces de Cartagena, mas adelante coincidiríamos en nuestro primero años en el conservatorio profesional de Cartagena y en nuestros últimos años en dicho conservatorio coincidiríamos tanto en la banda y en la orquesta del conservatorio, como en un quinteto de viento, donde tuve el placer de ser el primer en tocar una de sus primeras, y no por ello de peor calidad, obras. Además de lo profesional, este cartagenero se caracteriza por no abandonar la eterna sonrisa que le acompaña. Por otro lado no debemos olvidar su increible calidad como clarinetista que le ha llevado a alzarse con premios como el "entre cuerdas y metales" del 2004 y a formar parte de orquestas como la OJRM (Orquesta de jóvenes de la Región de Murcia) o la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España) entre otras.
A continuación podéis disfrutar de algunas de sus obras:













miércoles, 9 de mayo de 2012

Rachmaninov - Rapsodia sobre un tema de Paganini


La Rapsodia sobre un tema de Paganini (Rapsodiya na temu Paganini) en La menor, op. 43, es una obra concertante, de entre 20 y 25 minutos de duración, compuesta por Sergéi Rajmáninov. Fue escrita para piano y orquesta, en un estilo similar al del concierto para piano. La partitura hace referencia a que fue escrita en la Villa Senar, entre el 3 de julio y el 18 de agosto de 1934. Rajmáninov, notable intérprete de sus propias obras, participó en el estreno junto a la orquesta de Filadelfia, dirigidos por Leopold Stokowski, el 7 de noviembre de 1934 en la Lyric Opera House de Baltimore, Maryland.
La pieza es un conjunto de 24 variaciones sobre el capricho nº 24 para violín solo de Niccolò Paganini. Aunque no tiene interrupciones, se pueden destacar tres secciones, que corresponderían a la distribución de un concierto para piano clásico: el primero movimiento abarcaría hasta la variación 11, el segundo, entre las 12 y 18, y el final, las demás.
La variación que mas fama ha alcanzado es sin duda la número XVIII que podéis escuchar en el segundo video.



martes, 8 de mayo de 2012

Rachmaninov Concierto para piano no. 2 Op18

Ahora deseo postear, el concierto más bello para piano que he escuchado, una verdadera obra de arte. Se trata del Concierto para piano y orquesta número 2 de Sergey Rachmaninoff Op. 18.
Es una obra en do menor para piano acompañado por la orquesta, compuesto por Sergéi Rajmáninov entre el otoño de 1900 y abril de 1901. El segundo y tercer movimientos fueron interpretados por primera vez con el compositor como solista el 2 de diciembre de 1900. La obra completa fue estrenada, también con el compositor como solista, el 27 de octubre de 1901 con su primo Alexander Siloti dirigiendo. Este concierto fue dedicado al Dr. Nikolai Dahl quien trató al compositor de la depresión que sufrió luego del fracaso de su primera sinfonía.


Ademas del video de youtube, os dejo también un enlace donde podréis escuchar la pieza interpretada por Gabriel Escudero, del que ya os hablé anteriormente y cuya interpretación de esta obra merece la pena ser escuchada


http://www.classicalconnect.com/Orchestral_Music/Rachmaninov/Piano_Concerto_No_2/2339


domingo, 6 de mayo de 2012

Rafael Talens Pelló

Y continuando con el homenaje al maestro Rafael Talens Pelló, he encontrado un video que recopila muchas de sus mejores obras, espero que lo disfrutéis.

Piques con historia: La Giralda y La Gracia de Dios


Los maestros Eduardo López Juarranz y Ramón Roig, ambos compositores prolíficos, de inspiración fácil, tenían entre ellos sus discusiones por diversidad de criterio en lo relativo a la labor creadora.
Debido a estas circunstancias y a raíz del estreno apoteósico en Paris de su pasodoble "La Giralda" triunfal éxito repetido luego en España, al maestro Juarranz se le ocurrió hacer llegar a su buen amigo y como resultado de una acalorada discusión, la siguiente dedicatoria en la partitura del pasodoble "La Giralda""Para Ramón Roig, con la completa seguridad de que se dará perfecta cuenta de cómo se escribe un pasodoble".
Dicha dedicatoria no le resultó muy grata al maestro Roig, le sorprendió la actitud de su íntimo amigo y le dolió el tono de la engreída dedicatoria. En ningún momento demostró estar enojado por ninguna de las dos cosas y comenzó a escribir en el pentagrama. 

A los ocho días de haber recibido la "delicada dedicatoria" de su amigo Juarranz, el maestro Ramón Roig le remitió la inspirada partitura de "La Gracia de Dios" con la siguiente dedicatoria: "A Eduardito López Juarranz, para que compruebe, al leer la presente partitura de "La Gracia de Dios", que se trata de un verdadero pasodoble, desde luego, mejor que el suyo".





viernes, 4 de mayo de 2012

Rafael Talens Pelló - Cançons de mare (Agrupación Musical Sauces de Cartagena)

Hoy quiero dejaros una la las mas bellas obras que ha interpretado mi banda. Producto nacional, se titula Cançons de mare y fue compuesta por el recientemente fallecido el pasado 25 de abril,  Rafael Talens Pelló, uno de los mejores compositores nacionales para mi gusto, creador de obras como suite arábiga, Tercio de quites, Almassera, o la que hoy acontece Cançons de mare que esta compuesta por temas folclóricos de su Cullera natal y de la Ribera Baja.
Descanse en paz maestro.







A continuación dejo tambíén " Tercio de Quites"






Max Bruch - Concierto para violín n.º 1


El Concierto para violín n.º 1 en sol menor, op. 26 fue compuesto por Max Bruch entre 1864 y 1866. Luego de varias revisiones, Bruch le dio forma final en 1868. La primera versión fue estrenada en Coblenza el 24 de abril de 1866 por O. von Königslöw al violín, bajo la dirección del propio Bruch. La versión final fue estrenada el 7 de enero de 1868 por Joseph Joachim bajo la batuta de Karl Reinthaler.


El concierto es la pieza más conocida de Bruch, y está considerado como uno de los más populares dentro del repertorio romántico alemán (junto a los de Brahms y Beethoven). Su popularidad ha eclipsado otras obras del compositor, sus otros conciertos para violín y su Fantasía escocesa.

Dado que Bruch no era violinista, durante la composición de la obra pidió ayuda a Joachim a quien finalmente dedicó la partitura.

El concierto está dividido en tres movimientos (los dos primeros unidos) y una ejecución media dura alrededor de 25 minutos. Los movimientos son:

I.Vorspiel - Allegro moderato
II.Adagio
III.Finale - Allegro energico

La interpretación es de Itzhak Perlman con la Royal Concertgebouw Orchestra y Bernard Haitink en la batuta, grabación de 1993






martes, 1 de mayo de 2012

Concierto para oboe en re menor (Marcello)

El Concierto para oboe y cuerdas en re menor fue escrito por Alessandro Marcello a comienzos del siglo XVIII y se ha convertido en su obra más famosa. Es además uno de los conciertos para oboe más interpretados dentro del repertorio oboístico barroco.
En el pasado, y continuando en el presente, ha sido atribuida erróneamente a ambos compositores coetáneos: Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi. J.S. Bach hizo famosa la pieza al escribir una transcripción de la obra en Do menor para oboe con acompañamiento de clave (que se sustituye por piano en la actualidad).
La pieza de Marcello consta de tres movimientos:

  • Andante spiccato, que empieza la orquesta, o instrumento de tecla en sustitución, hasta la enérgica entrada del oboe. El movimiento está escrito en 4/4.
  • Adagio: comienza también la orquesta, este es un movimiento muy lento en 3/4.
  • Presto en 3/8.
Existen al menos dos versiones diferentes del Adagio que se interpretan con frecuencia. Difieren en lo que respecta a la línea melódica a mitad del movimiento y unos pequeños cambios armónicos en la partitura general de la orquesta.

Recomiendo poner especial interés en el segundo movimiento, para mi lo mejor que jamás se ha escrito para oboe.
En el primer video podemos disfrutar del primer movimiento y en el segundo, de los dos restantes




lunes, 30 de abril de 2012

Gioachino Rossini


Gioachino Rossini o Gioacchino fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas particularmente por las bufas, pero con numerosas y determinantes aportaciones al mundo de la ópera seria.
Todo ello le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.

A continuación podéis disfrutar de algunas de sus mejores piezas: